Desde comienzos del siglo XXI, una nueva generación de músicos argentinos viene componiendo, grabando y expandiendo el lenguaje del jazz desde una perspectiva propia. Se trata de artistas que asumieron el género no como una imitación de modelos estadounidenses o europeos, sino como un campo fértil para el cruce con otras músicas del país: tango, folclore, rock y música contemporánea. A través de la improvisación, la escritura original y la experimentación sonora, construyen una identidad singular que proyecta al jazz argentino en el mapa internacional.
Si bien el país tiene una historia extensa en el género —con nombres fundamentales como Enrique “Mono” Villegas, Jorge Navarro o Lalo Schifrin—, este artículo pone el foco en una escena más reciente: la que, desde 2001 en adelante, consolidó una estética propia, apoyada en el trabajo colectivo, la formación académica y la edición sostenida de discos originales.
A continuación, presentamos a diez referentes cuya obra refleja este proceso en plena expansión. Sus trayectorias trazan un mapa posible de la riqueza, diversidad y vitalidad del jazz argentino contemporáneo.
1. Javier Malosetti: El groove del bajo argentino
Inicio de su trayectoria: Década de 1980
Elemento innovador: Fusión de jazz con funk, rock y blues, destacándose como bajista y multiinstrumentista.
Canciones más famosas: Palm II, Cleanie, Disco inferno.
Desde muy joven, Malosetti no solo se destacó como músico, sino que también demostró una visión integral del arte: comenzó como baterista, pasó por la guitarra y finalmente consolidó su legado como uno de los bajistas más influyentes del jazz local. Su formación musical, hija de la herencia de su padre, el guitarrista Walter Malosetti le permitió abordar la fusión de géneros con una libertad creativa inusual. Comenzó su carrera solista en 1993, pero fue a partir de discos como Villa (2002) y Onyx (2004), ambos galardonados con premios Gardel, que se afianzó como referente de la escena. Además, su papel como miembro estable en la banda de Luis Alberto Spinetta durante ocho años lo posicionó como un puente entre el jazz y el rock argentino.
En una entrevista en 2020 con Página/12, Malosetti definió la improvisación como "central", enfatizando que sus proyectos se nutren de una tensión constante entre la escritura y lo espontáneo. En su trío más reciente, con guitarra, bajo y batería, ha explorado ritmos que van del funk y el soul al rock con un enfoque visceral y enérgico.
2. Quinteto Urbano: La vanguardia del jazz porteño
Inicio de su trayectoria: Finales de los 90's principios del 2000.
Elemento innovador: Integración de composiciones originales con improvisación colectiva, marcando una nueva etapa en el jazz argentino.
Canciones más famosas: Malón, La Búsqueda, El Compadre.
Desde su formación en 1999, el Quinteto Urbano se convirtió en un verdadero laboratorio creativo del jazz argentino. Su primer disco, Jazz Contemporáneo Argentino (2000), y su continuación, Jazz Contemporáneo Argentino II mostraron un enfoque singular: composiciones originales que integraban elementos del tango, la milonga y el folclore, dentro de una lógica jazzística contemporánea, fusionados con estructuras típicas del hardbop. Con Diego Schissi en piano, Guillermo Delgado en contrabajo, Oscar Giunta en batería, Juan Cruz de Urquiza en trompeta y Rodrigo Domínguez en saxos, el grupo apostó a construir un lenguaje propio, evitando la repetición de modelos extranjeros y buscando una voz distintiva dentro de la escena local. El Quinteto Urbano logra lo que en este momento logran muy pocos en el mundo: sonar distintos.
Esa búsqueda se consolidó a lo largo de una trilogía discográfica que marcó un hito en la escena: los dos volúmenes de Jazz Contemporáneo Argentino, publicados por el Club del Disco, y el cierre con En Subida (2003). En sus seis años de actividad, el Quinteto realizó más de 400 conciertos, incluyendo escenarios de gran prestigio donde compartieron cartel con figuras como Dave Holland, Michael Brecker, Brad Mehldau y Wayne Shorter. Para Oscar Giunta, fue “un momento muy grosso” por la potencia creativa colectiva que lograron sostener. En 2005, el grupo fue distinguido con el Premio Konex de Platino como mejor grupo de jazz de la década, consolidando su lugar como referencia ineludible del jazz argentino del siglo XXI.
3. Juan Cruz de Urquiza: La trompeta versátil
Inicio de su trayectoria: Finales de los 90's principios del 2000.
Elemento innovador: Combinación de jazz con elementos del rock y la música popular argentina, destacándose como trompetista y compositor.
Canciones más famosas: Promesas Sobre el Bidet, Canción para Mi Muerte - En vivo, Yendo de la Camal al Living - En Vivo.
Más que un virtuoso de la trompeta, Juan Cruz de Urquiza ha sido una figura central en el proceso de consolidación de un lenguaje propio para el jazz argentino desde comienzos del siglo XXI. Como integrante del Quinteto Urbano, fue parte de una escena que renovó las formas de componer, improvisar y pensar el jazz en Buenos Aires. Pero su mayor aporte ha sido como compositor y líder de grupos que, disco tras disco, pusieron en primer plano la autoría local como motor creativo. Sus álbumes De Este Lado (2005), Indómita Luz (2012) y Lentes (2018) son ejemplos de esa búsqueda constante de un sonido situado, donde la improvisación convive con arreglos sofisticados y una sensibilidad profundamente contemporánea.
En los últimos años, De Urquiza ha seguido ampliando las fronteras del género. En Última Chance (2022), su disco más reciente, incorpora por primera vez letras propias y pone en juego nuevas formas expresivas, abordando temas sociales y ambientales desde una perspectiva poética. Su participación activa en proyectos colectivos como Real Book Argentina, donde interpreta y escribe música original en diálogo con decenas de colegas locales, refuerza su papel como uno de los arquitectos del jazz argentino actual. Más allá de su trayectoria individual, su mayor legado puede estar en esa combinación entre rigor compositivo, apertura estética y compromiso con una escena que se piensa a sí misma desde lo colectivo.
4. Oscar Giunta: Energía y precisión en la batería
Inicio de su trayectoria: Finales de los 90's principios del 2000.
Elemento innovador: Dominio del bebop y el jazz contemporáneo, con un estilo enérgico y técnica precisa.
Canciones más famosas: Black Hole Sun, Cabrera's Blues, E.C.T.
Oscar Giunta es uno de los bateristas más influyentes del jazz argentino actual. Desde sus primeras apariciones en los años 90, se destacó por un estilo enérgico, profundamente expresivo y técnicamente preciso. Fue parte fundamental del Quinteto Urbano, donde aportó un enfoque rítmico potente, moderno y siempre atento al juego colectivo. A lo largo de su carrera, ha actuado en escenarios internacionales y compartido experiencias musicales con figuras como Herbie Hancock, Paquito D’Rivera, Wayne Shorter o Dave Holland, sin perder nunca el eje en la escena local. Giunta se caracteriza por entender la batería no solo como base rítmica, sino como instrumento melódico y narrativo, capaz de dialogar de igual a igual con el resto del grupo.
Foto: Eduardo Cesario.
En los últimos años, ha consolidado un proyecto personal con el Oscar Giunta Supertrío!, integrado por Flavio Romero (contrabajo) y Hernán Jacinto (piano), con el que grabó Apaláp! (2019, editado internacionalmente en 2021), un disco registrado en Nueva York que recibió elogios de la crítica y fue nominado a los Premios Gardel. En 2022 lanzó Daylight – Live Sessions, grabado en vivo en Buenos Aires, que muestra su versatilidad y fuerza expresiva. También integra otros proyectos como el cuarteto URMG y se encuentra trabajando en nuevas grabaciones en Europa. Más allá de su virtuosismo, su mayor aporte al jazz argentino reside en su compromiso con una estética vibrante, física y abierta al riesgo, en la que cada golpe de tambor es una afirmación de identidad.
5. Escalandrum: tradición y modernidad desde el sexteto
Inicio de su trayectoria: 1999.
Elemento innovador: Fusión sofisticada de jazz con tango y folclore argentino, sin caer en el cliché de la “fusión”.
Canciones más famosas: Los Pájaros Perdidos, Terrestre, Encuentro.
Formado en 1999 por Daniel “Pipi” Piazzolla, Escalandrum ha sido una de las formaciones más relevantes del jazz argentino contemporáneo. El sexteto, integrado por Nicolás Guerschberg (piano), Mariano Sívori (contrabajo), Damián Fogiel (saxo tenor), Gustavo Musso (saxo alto y soprano), Martín Pantyrer (saxo barítono y clarinete bajo) y el propio Piazzolla en batería, se destacó desde el comienzo por evitar fórmulas fáciles: en lugar de hacer “tango jazz” o “latin jazz”, propusieron un sonido instrumental donde la improvisación se entrelaza con climas rítmicos y armónicos de la música argentina. Su música ha recorrido más de veinte países y fue destacada por su carácter abierto, moderno y arraigado en lo local. En 2005 recibieron el Konex de Platino como el mejor grupo de jazz de la década, consolidando su perfil como estandarte del jazz con identidad local.
El punto más alto de su reconocimiento llegó con Piazzolla Plays Piazzolla (2011), un disco donde reinterpretaron la obra de Astor Piazzolla desde el jazz, sin bandoneón ni nostalgia, pero con una lectura actual y virtuosa. El álbum ganó el Premio Gardel de Oro (primera vez que se otorgaba a un disco instrumental) y obtuvo nominación al Grammy Latino. Desde entonces han editado trabajos como Vértigo (2013), Las Cuatro Estaciones Porteñas (2014), 3001 Proyecto Piazzolla (2016), el notable Sesiones ION (2018 - publicado por Club del Disco), grabado en vivo con sonido de sala y sin edición digital, y Escalectric (2023), este último con un giro más eléctrico y experimental. Escalandrum es, sin dudas, uno de los casos más consistentes de evolución estética dentro del jazz hecho en Argentina.
6. Pipi Piazzolla Trio: innovación rítmica en formato íntimo
Inicio de su trayectoria: 2010.
Elemento innovador: Reinvención del trío sin contrabajo, combinando estructuras complejas con un sonido accesible.
Canciones más famosas: Polacos, Aura, Brilliant Corners.
Daniel “Pipi” Piazzolla – nieto de Astor Piazzolla – encabeza este trío que, desde su formación en 2010, ha explorado nuevas formas de diálogo entre jazz, tango y experimentación sonora. Integrado por Lucio Balduini (guitarra eléctrica) y Damián Fogiel (saxo tenor y soprano), el grupo prescinde intencionalmente del contrabajo y del piano, optando por texturas donde la batería, la guitarra y el saxo generan una red rítmica-melódica altamente interactiva. Esa búsqueda sonora se plasmó tempranamente en Arca Rusa (2012), y fue profundizada en Transmutación (2015 - publicado por Club del Disco CDD), ganador en 2016 al Premio Gardel al mejor Álbum de Jazz, un disco de gran riqueza rítmica y atmósferas envolventes, celebrado por su capacidad de hacer que lo complejo parezca sencillo.
En 2019 (CDD) editaron Rata, ganador en 2020 al Premio Gardel al Mejor Álbum de Jazz y en 2022 (CDD) lanzaron Stick Shot, grabado en tomas en vivo con mínima postproducción. El trío propone piezas intensas, repletas de polirritmias y dinámicas abiertas, que permiten una libertad de interpretación poco común. Su estética combina la energía del rock con la sutileza tímbrica del jazz contemporáneo, todo sostenido por una concepción rítmica muy elaborada. Sin necesidad de virtuosismo ostentoso, el trío ha logrado una síntesis expresiva que lo convierte en uno de los proyectos más singulares e influyentes del jazz argentino actual.
7. Adrián Iaies: maestros del cruce estilístico en el piano
Inicio de su trayectoria: mediados de la década de 1980.
Elemento innovador: fusión de jazz con tango, soul y folclore, desarrollando un lenguaje híbrido y propio
Canciones más famosas: Viernes 3AM, Missing Strayhorn, Arrabal amargo.
Desde finales de los 80, Adrián Iaies se destacó por abordar el piano desde un enfoque de fusión estilística muy afinado. Sus primeros proyectos como Touch y el Adrián Iaies Trío ya mostraban su interés por combinar jazz con elementos del folclore argentino y el tango, pero fue con Las Tardecitas de Minton’s (1999) que logró un punto de inflexión: un disco intenso, íntimo y sofisticado que marcó el comienzo de una identidad musical que dialoga con lo local sin abandonar la tradición jazzística. Desde entonces, Iaies ha editado más de treinta discos, expandiendo su sonido hacia formatos solos, tríos y cuartetos, siendo una figura central en el cruce entre música popular argentina y jazz moderno.
En la última década, ha seguido innovando: en 2015 presentó Cada mañana te trae, una obra para piano y contrabajo con el Colegiales Trío, que combina precisión rítmica con sensibilidad melancólica, y en 2019 lanzó Cada vez que (siempre) brillas, junto a la cantante Diana Arias, mezclando jazz vocal con arreglos sofisticados. Además, su rol como director artístico del Festival Internacional de Jazz de Buenos Aires (cargo que ocupó durante más de una década) y su más reciente presentación con Pablo Ledesma en 2024 demuestran su vocación por abrir canales entre géneros y promover diálogos creativos que fortalecen la escena local. En noviembre de 2024 lanzó su último trabajo, We’ll Be Together Again (Live at Prez), grabado directamente en vivo en el club de jazz porteño Prez Jazz & Music Club. Con repertorio clásico y standards vocales, este disco destaca por su técnica refinada, sensibilidad melancólica y la calidez propia del formato en directo.
8. Ernesto Jodos: experimentación íntima desde el piano
Inicio de su trayectoria: comienzos de la década de 1990.
Elemento innovador: fusión entre composición contemporánea e improvisación libre equilibrada con tradición jazzística.
Canciones más famosas: El cristal de los otros, LL#4, Plot Twist.
Ernesto Jodos se destaca por una visión del jazz que busca hilar fino entre la estructura compositiva y la improvisación libre, trabajando desde formatos variados, trío, cuarteto, piano solo, y siempre manteniendo una poética personal. En Durmientes (2023), grabado en vivo en el Centro Cultural Borges, Jodos ofrece un repertorio de temas propios y versiones de Thelonious Monk, Bud Powell y Ornette Coleman. El resultado es un disco introspectivo, riguroso y profundamente musical, donde cada silencio pesa tanto como cada nota. La crítica especializada lo consideró uno de los lanzamientos más importantes del año y fue elegido por la prensa como “Mejor Disco de Jazz 2023”.
Foto: Horacio Sbaraglia CCK
Además de su trabajo solista, Jodos lidera ensambles en formato trío y cuarteto, participa en proyectos colectivos como Real Book Argentina, y mantiene una intensa labor docente como coordinador de la carrera de Jazz del Conservatorio Manuel de Falla. Su discografía reciente incluye Confluence (2021), junto a Mark Helias y Barry Altschul, y Earlier Trips (2020), que muestra su versatilidad como improvisador. En cada proyecto reafirma una idea central: que el jazz argentino puede ser libre, riguroso y poético a la vez.